Los puntos de oro, la ley de oro o reglas de composición en la cinematografía, son elementos de la imagen que juegan un papel importante.
Y qué mejor que darle una repasada a grandes clásicos del séptimo arte, para ver con ojo un poco más crítico la fotografía en el cine. A continuación, echaremos un vistazo a algunas de las películas más representativas en su época y que actualmente son de culto en el cine de arte.
Composición cinematográfica
El concepto de composición cinematográfica se refiere a la disposición en el espacio de los diferentes elementos que conforman la imagen.
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Nostalghia (1983), Andréi Tarkovsky
En la composición fotográfica del encuadre manejan los efectos provocados por la ambientación lograda a través de espacios y objetos, por la interacción de personajes y por la iluminación; además de los efectos originados en la posición y acercamiento de la cámara y la configuración de los planos.
Por ejemplo en los filmes de Tarkovsky es muy común este fenómeno, conocido como efectos expresivos. El director acostumbraba tomar fotos con una Polaroid, ya que permiten ver la construcción compositiva y una visión del mundo, a partir de su propio universo interior de ideas y emociones.
The Shining (El Resplandor, 1980), Stanley Kubrick
La idea del orden y la geometría es una constante en el trabajo de Kubrick. En El Resplandor, por ejemplo, podemos encontrar a lo largo de toda la cinta puntos de fuga.
La mayoría de los encuadres son punto de fuga puro, ya que este tipo de plano agrega tensión y dramatismo a la escena. Así como una constante tensión que provoca al espectador sentirse al borde del suspenso.
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Metropolis (1927), Fritz Lang
Otra de las películas con una composición fotográfica exquisita, es Metropolis. Donde Fritz Lang se inclinó totalmente por primeros planos donde, vemos a los actores dejarlo todo en sus expresiones faciales.
Fritz Lang compuso su obra maestra en cuanto a planos, narraciones en paralelo, panorámicas e increíbles secuencias. Esta película aunque es completamente muda, gracias a la composición fotográfica ha conseguido llegarle a los espectadores tanto en su concepto, narrativa, e historia, como a través de los fotogramas.
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Citizen Kane (1941), Orson Welles
Es uno de los filmes considerados como «teatro» crudo e inspirado directamente del expresionismo alemán de Max Reinhardt.
Welles provocó una revolución en cuanto al uso de la Luz ya que precisamente ésta y la sombra toman protagonismo. Por lo que los claroscuros forman parte de la historia por su fuerza expresiva y los escenarios se estiran para dar forma a la personalidad de los personajes.
Su manera de iluminar las escenas, se basó totalmente en partir desde el centro y dedicarse a sacar detalles en las sombras y en la luces. Se obtiene de una imagen plana, a una luz que pinta contrastes extremos, volúmenes nunca vistos y una profundidad que quitaba el aliento en esa época.
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Son 4 elementos donde se cimenta la fotografía y composición de Citizen Kane: la profundidad de campo, el uso del objetivo angular, el uso de la luz y los encuadres. Ya que es la primera película en la que se ve el techo de forma clara y premeditada. La cámara está situada en algunas secuencias debajo del suelo.
2001: A Space Odissey (1968), Stanley Kubrick
Una joya más por parte del cine de Kubrick. En este filme el director eligió el formato panorámico de 65mm y el uso del gran angular se volvió usual en las obras de Kubrick.
El cineasta lo llevó al extremo, ya que su intención fue la de crear impactantes simetrías y potenciar la pantalla curva del Super Cinerama, sin importarle que en algunos casos que los extremos de la pantalla muestren fuertes distorsiones.
Por otro lado en cuanto a la cinematografía, encontramos composiciones realmente memorables en formato panorámico, como el nombrado uso del gran angular para crear impactantes simetrías o los planos en el interior de la nave Discovery. Además las perspectivas frontales, y en este caso simétricas, son increíbles y constantes en las naves.
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