Sus expresiones artísticas generan debate. Los cuadros de Pablo Picasso, pionero del movimiento cubista, es un personaje polémico. Sus pinturas son admiradas y repudiadas, pero sin lugar a dudas, existen diez cuadros suyos reconocidos por su influencia cultural.
Se trata de pinturas reconocidas a nivel mundial que lo vuelven un referente, junto al artista francés Georges Braque, del arte cubista. Su trascendencia comprende además eliminar el uso de la perspectiva y del punto de vista único, así como su compromiso total con la labor creativa.
La Vida
Es una pintura al óleo de 1903 elaborada por Picasso, en lo que se conoce como su periodo azul. Una etapa de miseria creativa acaecida por el suicidio de su amigo Carlos Casagemas, a quien retrató en el lienzo. Representa uno de los cuadros más reconocidos de Pablo.
El cuadro ocultaba algo que los análisis de expertos en arte descubrieron. Picasso reutilizó un lienzo pintado previamente a manera de soporte. La imagen anterior era aquella que tres años antes había ido a presentar a la Exposición Universal, junto a su amigo. El cuadro, como si fuera una premonición, se titulaba Últimos momentos, es sin duda uno de los cuadros más reconocidos de Pablo Picasso.
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Muchacho con pipa
Es una pintura de Picasso pintada en 1905 durante su etapa rosa, que comprende una época de inspiración y creatividad, así como de productividad artística. Vendido en Nueva York en mayo de 2004 por la cantidad de 86.5 millones de euros, se convirtió en uno de los cuadros más valiosos de la historia del arte contemporáneo y uno de los más reconocidos de Picasso.
Picasso dejó repentinamente las salidas por las calles de París para regresar a su estudio y retomar la tela abandonada desde hacía un mes. Añadió a la figura una guirnalda de rosas y con ese toque transformó el cuadro en una obra maestra. El marrón cálido y rosado son típicos del periodo rosa del artista, en el que la atmósfera era todavía melancólica pero menos fría que en el período azul. En esta fase, casi todos los fondos son planos o poco definidos, contribuyendo a crear la atmósfera del cuadro.
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Autorretrato
El encuentro con el arte ibérico de la época arcaica y con el primitivo africano, marcarán el final de las anteriores investigaciones sobre la figura humana y el inicio de una nueva concepción espacial que se visualizan en este autorretrato que representa la fase de transición del pintor, en la cual es patente el carácter poco naturalista de los rasgos faciales, como la desproporcionada nariz y los ojos.
La obra fue realizada por Picasso después de haber estudiado una estatuilla que asentó los primeros contactos con la escultura y el arte negras que comprenden obras de África, la Polinesia y Oceanía. Conocimientos y técnicas que se infiltraron en la mente del artista debido a las frecuentes visitas del artista al museo etnográfico de París. El estudio de máscaras tribales y cabezas ibéricas devino en la idea de plasmar la pureza y la simplicidad de las formas.
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Las señoritas de Aviñón
En esta obra de Picasso se ven a cinco trabajadoras sexuales de la calle de los burdeles en Barcelona, plasmadas al más puro estilo cubista. Es considerada una pintura protocubista, ya que el movimiento del que sería pionero no se manifestaba aún. Picasso pintó este cuadro, uno de los más reconocidos de su carrera, entre junio de 1906 y julio de 1907. Sin tener en mente que cambiaría el arte para siempre.
En la pintura es evidente la intención de rechazar lo establecido y romper con el realismo, la profundidad espacial y la anatomía humana. El cuerpo de la mujer desnuda es un conjunto de planos angulares, mayormente marcados hacia la derecha. Por supuesto se trata de uno de los cuadros más reconocidos de Pablo Picasso.
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Los tres músicos
Estos tres músicos retratados como seres de otro planeta, compuestos de formas orgánicas, evocan a la genialidad de la niñez creativa, sin impedimentos ni objetivos. Picasso, mediante una composición que asemeja a un puzzle, algo sumamente intrínseco, pintó con un estilo cubista sintético, personajes fascinantes como hechos de pedazos personajes de papel.
Se trata de tres músicos que representan y muy seguramente interpretan algo adelantado a su época, de ruptura contra lo conocido. Si se analiza a detalle, este cuadro, uno de los más reconocidos del artista, se encuentra al cuarto personaje: un músico en forma de perro.
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El sueño
Pintura de 1932 que refleja fielmente la influencia y la proximidad de las mujeres en el artista. Las nuevas experimentaciones formales lo llevaron a descubrir una nueva y sensual versión de lo femenino. La figura asemeja reposo y quietud con los brazos doblados y la cabeza inclinada a un lado. Los senos como símbolo femenino artístico, son pintados redondos y exuberantes.
Como en la escultura la redondez de la butaca y la sinuoso del atuendo acompañan y envuelven la forma de Marie-Thérése, cuyo rostro está dibujado por una línea que une frente y nariz. Debajo se distinguen los labios carnosos y entreabiertos. Picasso simplificó, redujo las formas a volúmenes esféricos que evocan las esculturas de Boisgeloup y los relieves distintivos de la época.
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Chica, o Mujer, frente a un espejo
Es una pintura en la que el artista plasmó una de las 80 formas en las que vislumbraba a su amante Marie Thérèse Walter. En ésta obra está mirándose en un espejo. El reflejo y forma del cuerpo evidencia deformidad, aspecto que se interpretó como la vanidad, hasta el reflejo de la muerte, pasando por la maternidad o la vejez reflejada en la juventud.
En este, uno de los cuadros más reconocidos de Pablo Picasso, los colores y formas no tienen restricción alguna. El artista y su arte son instintivos. De dicha naturalidad se logró un retrato de enorme belleza, virtuosismo y sensualidad. La obra se erige en la continuidad de planos, líneas y colores, que crean un nuevo espacio. La representación de una mujer bella, hecha de formas naturales, atrapadas y atrapada ella misma en la paradoja del tiempo.
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Desnudos, hojas verdes y bustos
Se trata de una de las pinturas subastadas más caras en la historia. En 2010, el cuadro «Desnudos, hojas verdes y bustos», pintado en 1932, rebasó el monto de compra de 2004 de Muchacho con Pipa, convirtiéndose uno de los cuadros más valiosos hasta el momento, y uno de los más reconocidos de Pablo Picasso.
El óleo de más de un metro de altura, de tonos azules y lilas, es la marca artística del apogeo de la obsesión romántica y creativa de Picasso.
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Guernica
Obra de 1937, pintura mural al óleo que refleja fielmente la esencia de la época. Constituye el alegato generalizaco contra la barbarie y el terror de la guerra. Es visto y recordado como como un gigantesco cartel, testimonio del horror que trajo consigo la Guerra Civil española, obra premonitoria de la catastrófica Segunda Guerra Mundial.
Su composición piramidal y la superposición de elementos, manifiestan claramente la mezcla de la vida privada del artista y el acontecer político de aquella época. La obra a blanco y negro está pintada así en alusión a la inmediatez y estilo de la prensa. La Guernica, es a todas luces y sombras, un cuadro influyente transgeneracional, y uno de los más reconocidos de Picasso.
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Retrato de Dora Maar
Obra de óleo sobre tabla de 1939 en la que Dora Maar, modelo emblemática del artista, refleja intranquilidad, tumultos de la vida política y social, estragos del ritmo y modo de vida que rayaban en la demencia.
La figuración y la disociación, inconfundibles del estilo de Picasso, resaltan un perfil figurativo, de figuras duras y puntiagudas que contrastan con la redondez del resto de la pintura. Es para muchos, un cuadro fuerte, crudo y revelador de las consecuencias del amor por el arte y de la vivencia de una ideología que consume energía y vida. Uno de los cuadros más reconocidos de Pablo Picasso.
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