Desde los años noventa, Tsai Ming-Liang ha marcado la industria fílmica, cimentando una identidad dentro de la cinematografía asiática y mundial, que se ha denominado como cine contemplativo. Sus películas han encontrado revolucionarios caminos de expresión, siempre en compañía de Lee Kang-Sheng, su actor “fetiche” como se le dice en el argot. La filmografía de Ming-Liang ha sido de entrega total en cuerpo, tanto humana como creativamente hablando..
Tsai Ming-Liang es considerado uno de los exponentes de la llamada Segunda Ola del cine taiwanés, además de ser un maestro para explorar cuestiones como los deseos reprimidos, la marginación, el aislamiento social, la alienación individual, el cuerpo y la sexualidad. Aunque dichas temáticas las había manifestado en sus inicios en producciones televisivas, fue cuando entró plenamente al séptimo arte que las desarrolló con mayor ahínco.
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El comienzo de Tsai Ming-Liang
El camino en el cine para el director originario de Kuching comenzó con Rebels of the Neon God, siendo su primer largometraje y uno de los debuts más contundentes de la época del cine, ya que aborda temas como el aislamiento y la angustia ante la modernización, temas similares con su siguiente película, Vive l’amour, donde cuenta la historia de 3 personajes solitarios y marginados en la modernidad, cuyas historias y caminos apenas y se llegan a cruzar.
Pero con la obra con la que se llevaría el premio del Oso de Plata sería con The River, donde su filme evoluciona con el tiempo y a pesar de retomar el tema de la soledad, lo aborda desde una visión más existencial y profunda, dando oportunidad a que los espectadores tengan el tiempo de contemplar e identificarse con los personajes, de una manera tan real que la película se convierte en un constante cuestionamiento y hasta cierto punto, una transgresión en relación a la película pasada. Sin ir más lejos, la escena donde el cuerpo flota mientras está siendo grabado por el equipo fílmico y se infecta con un virus, quedará marcado como una de las mejores secuencias en la historia cinematográfica de Tsai Ming, pues ¿qué más preocupación que ver lo vulnerable del cuerpo humano ante las enfermedades?
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El camino al ascenso
Y si ya estamos hablando de virus en pleno 2022, también hablemos del aislamiento, tema en que profundizó Ming en su siguiente película, The Hole, donde lleva a sus personas a un extremo tan absurdo que se convierte en una fuente de inspiración para la expresión corporal y la dramaturgia poética que el cineasta ha plasmado en toda su filmografía, dándonos a conocer la cultura asiática y sus actores, en especial con Lee Kang-Sheng.
En este punto, el camino del cineasta se cruza con la cultura francesa, no sólo a nivel financiamiento pues ese ya ha estado presente, si no a un nivel más sensible e inspiración en sus largometrajes, como es el caso de What Time Is It There?, donde aparece el actor fetiche de la nueva ola francesa, Jean-Pierre Léaud, deambulando en un ambiente fantasmagórico sin contrastes musicales, como en películas anteriores, pero sí con toda la esencia que caracteriza a Tsai.
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De igual forma, en Goodbye, Dragon Inn, veremos un cine decadente presentando la última función de su existencia, la cinta que proyecta es “Dragon Inn”. Sin embargo, nuevamente la desolación es ahondada en este filme de Tsai Ming-Liang, ya que presenciaremos el vacío en las butacas, pero con una historia de amor detrás de tanta melancolía. Esta cinta es considerada una oda a la experiencia de ir al cine, la cual se ha visto muy afectada desde el primer trimestre del 2020.
En The Wayward Cloud el director retoma la estética musical pero con una carga de expresión sexual en los personajes, lo cual representa un acto de resistencia antes de sucumbir ante la vacuidad de la existencia moderna. Aquí veremos a los personajes de ¿Qué hora es allá? reencontrándose tras varios años.
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Tsai Ming-Liang se vuelve «convencional»
Tras realizar The Wayward Cloud, Tsai Ming-Liang retoma lo “convencional” del cine (cualquiera que sea su significado quedaría corto para la mente del cineasta asiático), con la película I Don’t Want to Sleep Alone, donde una vez más, veremos a Lee Kang-Sheng en pantalla, aunque ahora interpretando a un homeless y también a un hombre con muerte cerebral. La añoranza por la interacción humana es el eje del guión, con una sublime actuación de su actor predilecto.
Pero la conexión con la música no duró mucho tiempo perdida, ya que retomaría dicha esencia en Visage. Comisionada por el Museo de Louvre, Tsai se inspiró en el mito de Salomé para darnos a un cineasta de Taiwán (vaya coincidencia), que debe viajar a Francia para realizar una película en el mencionado museo de arte. Podría decirse que es una cinta sobre él mismo llena de idiosincrasia. La crítica especializada ha llegado a mencionar que Visage es equiparable con 81/2, de Fellini.
Algo que ha sido constante en el trabajo de Ming-Liang, es la introversión y extroversión, por lo que en Stray Dogs explora un territorio marginado, solitario y cuasi apocalíptico de la indiferencia y el futuro incierto. A través de personajes entre lo real e irreal, aborda la idealización como un simple espacio mental de los humanos. La familia principal del filme habita espacios tan aledaños que hace pensar al espectador que ni el propio director conoce el territorio que busca representar.
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Lo más reciente del director
La última producción de Tsai Ming-Liang es Days, donde retoma varios temas que hemos visto en sus anteriores trabajos, aunque en esta ocasión, desde la perspectiva de un solitario y joven masajista perteneciente a la clase media. Esta película es una exploración aún más profunda de la soledad, aunque también de encontrar la expiación de culpas mediante la sanación del cuerpo. Una vez más, Lee Kang-Sheng hace gala de su histrionismo frente a la lente del cineasta.
Aunque este repaso por toda su filmografía no podría quedar completa sin mencionar que Tsai Ming-Liang ha hecho del cortometraje otro de sus aliados con obras como The Sky Is Gone, No No Sleep, Afternoon o Madame Butterfly. También ha expresado su discurso más allá de la gran pantalla, ya que ha tenido diversas oportunidades en galerías de arte para mostrar mediante performance, pintura o coreografías, su orden narrativo con vastas posibilidades.
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